MUTA-Festival de Cine de Apropiación Audiovisual es una plataforma de reflexión, creación y exhibición audiovisual que pone en primer plano la apropiación como práctica artística contemporánea, entendida como la reutilización de contenidos audiovisuales para elaborar nuevos productos. Un recurso de absoluta vigencia debido a la sobreproducción de imágenes en el mundo actual y que tiene a internet y las redes sociales como su principal disparador. Este contenido está cada vez más presente en las producciones, sobre todo en formatos de corta duración de tipo experimental, pero también en documentales y obras producidas para exhibiciones en galerías de arte, lo que convierte a la apropiación en un recurso común a cineastas, artistas visuales y todo aquel que quiera repensar la imagen en movimiento a partir de su propia fisonomía, como es el caso de los videoensayos.

MUTA trae a nuestro CCE una muestra bastante diversa de cine doméstico en Super 8, así como cortometrajes y largometrajes de diferentes partes del mundo.

Programación

20 de noviembre
19:00/ Programa II: Sobre la Imagen (65’)
Cry havoc. Dir.: Guli Silberstein, Reino Unido, 2017, 6’, color, sonido, digital.
Una masa de manifestantes en escenas remediadas, una se convierte en una expresión de la fuerza y la pasión de la multitud, mientras que las abstracciones dinámicas y las mitaciones visuales muestran interpretaciones cambiantes de las expresiones de la gente y de sus motivos y objetivos para protestar, todo en una arremetida relámpago de imágenes de medios.

Stuff as dreams. Dir.: Guli Silberstein, Reino Unido, 2016, 6’, color, sonido, digital.
Las noticias llenas de escenas de terror que pueden o no haber sucedido, y las imágenes familiares y de viaje que podrían haber sido un sueño o tal vez no, se entrelazan en un collage pictórico rompiéndose y colapsando en sí mismo, explorando las percepciones personales y públicas de un mundo cada vez más fracturado.

Dreams of horses. Dir.: Mike Hoolboom, EE. UU., 2018, 6’20’’, blanco y negro, color, sonido, 16 mm.
La película está hecha de gelatina proveniente de los caballos. Están esperando ser sacrificados para que puedan hacerse fotografías. Tres escenas con caballos recordando a Jacinto. El primero es un bosque diurno que se cierne sobre un carrusel, el segundo una calle lluviosa en Portugal, el final una vigilia nocturna de fuego y agua.

Edge of alchemy. Dir.: Stacey Steers, EE. UU., 2017, 19’, color, sonido, 35 mm a 4K.
El epítome de la visión única de Stacey Steers de las animaciones de reexaminación con collages, una manera misteriosa de continuar en la gran tradición del cine surrealista.

Ir e vir. Dir.: Miguel Mariño, España, 2016, 10’40’’, color, sonido, 16 mm y Super8.
A partir de la manipulación y refilmado de un pequeño fragmento de found footage de los años sesenta, el filme indaga en los mecanismos que propician la percepción visual del ritmo. La repetición evolutiva de los planos, el movimiento cíclico interno o el tránsito entre lo figurativo y lo abstracto, provocan una cadencia armoniosa que se ve amplificada por la banda sonora original.

This bogeyman. Dir.: Pere Ginard, Francia, 2016, 3’, color, 16 mm.
Ginard recrea el mito del hombre villano que muchos adultos utilizan para asustar a los niños y hacer que se comporten de cierta manera. El monstruo no tiene una apariencia distinta, sino que simplemente es «una encarnación no específica del terror», aclara el artista. La película combina imágenes filmadas en película Super8 expirada, metraje encontrado, un collage sonoro y ruido digitalmente corrompido, y un encuadre negro que a veces derrama sus bordes exteriores sobre el centro de las imágenes.

Domus. Dir.: Rhayne Vermette, Canadá, 2017, 15’
Esta es la historia del arquitecto divino Carlo Mollino, animado dentro del espacio de escritorio del arquitecto fracasado Rhayne Vermette. Hecho en 16mm, 35mm y Super 8, este clásico cuento pigmaliónico investiga las intersecciones entre el cine y la arquitectura.

20:15/ Programa Latinoamérica 2 (37’)
24 (Vinte e Quatro) pestanas queimadas. Dir.: Tetsuya Maruyama, Brasil, 2017, 1’57’’
En la escuela, aprendemos a recordar vivir, pero en la vida, aprendemos a olvidar enriquecer la vida.
La imagen envejece con el paso del tiempo, y todavía tiene espacio para dejar entrar información no deseada. Congelado de la propaganda cinematográfica contra el movimiento estudiantil, «Let the student study (1962)», de Jean Manzon, hecho en el contexto anterior al golpe de estado, se fotocopia un fotograma, se estira y se sumerge en la cueva del tiempo

In Film/On Video. Dir.: Ignacio Tamarit, Argentina, 2018, 3’
¿Pueden coexistir el cine y el vídeo en la misma película? Aquí, la película de 16 mm y las cintas de video VHS se necesitan para existir. Gracias a la transparencia de la película de acetato de 16 mm, podemos visualizar en movimiento la materialidad del soporte de video analógico, pegado en la parte superior de la película, sirviendo como esqueleto y estructura de las cintas vhs intervenidas. ¿Una película? ¿Un video? Ambos y ninguno al mismo tiempo.

HAIN. Dir.: Nicolás Superby, Chile, 2017, 2’30’’

C.M.H. Dir.: Tilsa Otta, Perú, 2018, 4’39’’
Una reflexión crítica sobre el rol de los medios y el Estado peruano frente al feminicidio.

Con cierto animal. Dir.: Ivonne Sheen, Rebeca Alván, Perú, 2018, 12’
Una obra que explora la relación entre seres humanos y animales a través de analogías y contrapuntos del movimiento. Las relaciones entre las imágenes son también plásticas, y se perciben, por su diverso grado de deterioro, entre los fragmentos fílmicos que se utilizaron.

Me_oria. Dir.: Camila Ausente, México, 2017, 4’
Cortometraje experimental en torno a la memoria.

So So Sweet (A Whatsapp Forecast). Dir.: Alejandra Morote Peralta, Perú, 2018, 1’
Diálogo predecible en una cámara de vigilancia abierta.

Detenerte en el pulso. Dir.: Nicole Remy, Perú, 2018, 6’35’

21:00
Passage. Dir.: Ajla Odobasic, Canadá, 2018, 4’40’’
Producido como parte del Proyecto de puesta en servicio de la colección de Madvo. Un país muerto libera sus fantasmas en cámara lenta. La destrucción y el deseo convergen, ceremonialmente, para burlarse de los pilares floridos del amor terrenal. Un alma parece liberarse de los horrores mundanos, pero no antes de restaurar su cuerpo dañado. La contradicción actúa como agente purificador hacia su liberación lenta.

Tondal’s Vision. Dir.: Stephen Broomer, Canadá, 2018, 60’
La inspiración es la Divina comedia de Dante. El protagonista tiene un recorrido por la otra vida, pero aquí, más que al poeta Virgilio como guía, Tondal tiene a un ángel arquetípico, y Tondal es él mismo un arquetipo, caballero y noble que vive una vida pecaminosa y cuyos excesos instigan su viaje llevándolo al borde de la muerte. El recorrido es una lección familiar: los castigos irónicos esperan a los que pecan, uno de los clichés más perfectos de la divinidad medieval.

21 de noviembre 
19:00 Programa 1: Jornal Fílmico (69’)
The Kodachrome Elegies. Dir.: Jay Rosenblatt, EE. UU., 2017, 11’
Un soporte de película que destaca por sus ricos tonos y colores vibrantes. Un corto documental experimental que evoca la época pasada del pináculo de Kodachrome. Si bien es un canto a esta película perdida, la película sugiere el fin de una era y la pérdida de la inocencia.

The Fall of Lenin. Dir.: Svitlana Shymo, Ucrania, 2017, 11′
Un documental irónico sobre la despedida de los fantasmas de la URSS en Ucrania. La sesión espiritual con el fantasma de Lenin nos guía a través de nuestro pasado, presente y futuro. La película presenta el amanecer y el crepúsculo de los ídolos, y la curiosa vida después de los fantasmas de la historia. Está inspirada en las leyes aprobadas en 2015 por el Parlamento de Ucrania que condenan al régimen totalitario soviético y prohíben el uso de símbolos comunistas.

Evidence of the Evidence. Dir.: Alex Johnston, EE. UU., 2017, 22’
El levantamiento de la prisión de Attica en 1971 es un momento característico de resistencia radical para el movimiento de derechos civiles estadounidense. La sangrienta recuperación de la prisión, sin embargo, es una herida abierta. Utilizando grabaciones de video pocas veces vistas, este filme explora esa historia. Ofrece una descripción visceral de los eventos en Attica y narra la mediación y narrativización de estos eventos. Al hacerlo, reflexiona sobre el papel que juegan las imágenes en movimiento en la producción de la historia y la memoria, su creación y su destrucción.

Nursing History. Dir.: Mike Hoolboom, 2017, 4’
Corto realizado con material extraído de los archivos de la Cruz Roja en Ginebra y que describr la labor de una joven enfermera que en un hospital de la Cruz Roja en Vietnam atiende a sus heridos.

Supernatural Power. Dir.: Mike Hoolboom, 2018, 5’
Corto realizado durante un taller en Ginebra utilizando los archivos de la Cruz Roja, en uno de cuyos centros de rehabilitación en Vietnam, las víctimas de la guerra estadounidense aprenden a caminar sobre nuevas piernas protésicas. Las religiones místicas de la destrucción y la prestación de asistencia.

Never Twice the Same Color. Dir.: Guli Silberstein, 2018, 16’14’’
Un retrato de la vida del realizador en Nueva York antes del 9/11. La deconstrucción de la imagen para acentuar su expresividad es fundamental en este corto. El documental no solo es bastante poderoso en sí mismo, sino que los remanentes de la manipulación digital a menudo crean imágenes como fantasmas, o como una insistencia de memoria que finalmente se desvanece.

20:15 Programa Mujeres Experimentalistas en América Latina-Ismo Ismo Ismo
Conversatorio con Ángela López, curadora del programa; Mónica Delgado, crítica de cine; y Angie Bonino, videasta y artista multidisciplinar.

Come Out. Dir.: Narcisa Hirsch, Argentina, 1971, 11’
Sobre la música de Steve Reich, es una frase que se va desfasando electrónicamente, la imagen hace un movimiento inverso. Empieza con un fuera de foco y muy lentamente se va poniendo en foco.

Color. Dir.: Lydia García, Uruguay, 1955, 3’
Quizás la primera película de color experimental hecha en Uruguay, Color fue obra de una cineasta pionera, aún una adolescente. Es una reminiscencia del trabajo de Stan Brakhage, aunque realizado años antes incluso de que empezara a trabajar.

Desnudo con alcatraces. Dir.: Silvia Gruner, México, 1986, 1’50”
Tiene como referencia directa el cuadro homónimo de Diego Rivera. Gruner posa ante la cámara evocando la posición de la modelo del cuadro. En una especie de acto antropofágico, devora las flores como si se tratara de deconstruir y reciclar el mito cultural de la escuela mexicana de pintura y convertirla en un nuevo referente.

Popsicles. Dir.: Gloria Camiruaga, EE. UU.-Chile, 1982- 1984, 4’42”
“Este trabajo es una interacción del espacio, los símbolos y el contexto histórico en el que vivo como mujer en este lado del continente. Es un rosario de alarma, eterno y circular; la alarma de una mujer que desea la vida, la luz, la verdad y la solidaridad, pero que en cambio ve y recibe la muerte y el miedo. Es un rechazo de todo lo que es destrucción y muerte; sin embargo, está representado casi de manera atractiva como inocencia «. La directora.

Umbrales. Dir.: Marie Louise Alemann, Argentina, 1967, 19’
Un retrato de la atmósfera que se vivía en la década de los ochenta en el ambiente contracultural. Expone la desorientación colectiva, la ocultación, la deriva de una narrativa errática donde lo que prevalece es el juego de miradas y el rozamiento de los cuerpos. Es también una película que propone una estética del homoerotismo mediante una actuación performática colectiva y singular. Como todas las películas de la cineasta, esta es una obra de trabajo inclasificable.

Paracas. Dir.: Cecilia Vicuña, EE. U.U-Chile, 1983, 18´26”
Un poema visual y sonoro. Una de las tres partes de Meditación sobre el tejido, con su libro Palabra e hilo y la exhibición Arte de salida. El filme está basado en un textil de 2000 años de antigüedad, exhibido en el Museo Brooklyn, llevado desde la necrópolis en la península de Paracas. Al recrear la mítica y cotidiana vida de quienes tejieron el tapiz, ellos parecen haber creado un retrato de sí mismos mientras celebran la cosecha, un ritual y realizado hasta hoy.

Devil in the Flesh. Dir.: Ximena Cuevas, México, 2003, 5’
En este corto vemos los trucos de la cámara y aun así la acción parece dramática. Esta pieza ejemplifica la fascinación de la realizadora por lo artificial: las emociones fabricadas; el cristiano buscando dolor para vivir la pasión; la incomodidad del melodrama cotidiano; El vacío que derrota todo.

Copacabana Beach. Dir.: Vivian Ostrovsky, Brasil, 1983, 10’08”
Un vistazo humorístico a lo que sucede cada mañana en las aceras onduladas de la playa de Copacabana. Aptitud física al estilo brasileño, con un toque de fútbol y notas de Carmen Miranda.

Blues Tropical. Dir.: Poli Marichal, Puerto Rico, 1982, 8’30”
Primera parte de la Trilogía de la Isla en la que Poli Marichal expresa y desahoga la ira y la frustración causada por la situación colonial en Puerto Rico.

22 de noviembre
19:00 Programa III: Motifs (75’)
Over and over. Dir.: Michael Fleming. Música: Aaron Smith, EE. UU., 2016, 8’, color, 35 mm.
Una película de collage con metraje encontrado y manipulado que se centra en la descripción del miedo y la venganza que se ve en el cine comercial. La superficie del material de la película se ha tratado de la misma manera: pelar, arrancar, cortar y grabar la imagen.

Nothing like a little soap and water can’t fix. Dir.: Jen Proctor. EE. UU., 2017, 9’15’’, color, digital
En las películas, como en la vida, la bañera a menudo se considera un espacio privado, no solo para asearse, sino para relajarse, pensar, afligirse, hallar refugio. Para Hollywood, sin embargo, también es un lugar de vulnerabilidad desnuda, de donde las mujeres situadas narrativamente en peligro no pueden escapar. Este trabajo de metraje encontrado experimental deconstruye las representaciones de las mujeres en este espacio doméstico como históricamente enmarcado en la película popular.

Fugue-a light’s travelogue. Dir.: Els Van Riel, Bélgica, 2017, 17’, color, 16 mm.
Exploración de la consistencia física de la luz, solar y artificial, una exploración del deseo de entender.

Onward lossless follows. Dir.: Michael Robinson, EE. UU., 2017, 27’, color, video HD.
Recopilación de imágenes, algunas de ellas encontradas, otras originales. En la superficie, la película es una pieza inquietante que presenta un mundo diezmado por el cambio climático mientras cada uno de nosotros descubre nuestra propia dicha en el placer sensual y pseudorreligioso de las computadoras, teléfonos y otros bips digitales surtidos. Pero como un predicador critica al mundo moderno por poner su fe en la ciencia.

Valeria Street. Dir.: Janie Geiser, EE. UU., 2018, 11’, color, digital.
Parte de una caja de siete toboganes caídos de un estante en el estudio del director. Utiliza materiales de collage recolectados en tiendas de segunda mano y mercados de pulgas. Las diapositivas representaban a un grupo de hombres organizados alrededor de una mesa de conferencias en un entorno genérico de oficina, con las cortinas cerradas, quienes miran hacia abajo a un conjunto de dibujos o documentos. La película explora tanto la conexión personal de Geiser con las imágenes y el mundo del trabajo de su padre, como consideraciones más amplias sobre el poder y el paisaje de la industria.

QR Code/ Film [#2]. Dir.: Antoni Pinent, España, 2016, 3’40’’
Película que muestra un concepto híbrido como es el Digital/ Analógico/ Digital (DAD). Es parte de la serie de los QR CODES, que son piezas que pueden mostrarse como estructuras de luz o expuestas en la pared, ya que la propia obra contiene el código, a partir del cual se construye la estructura de la obra, leyéndola a modo de escaneado.

20:20 Programa Latinoamérica 1 (47’)
No way out. Dir.: Anibal Conde, Uruguay, 2017, 3’35’’
Un ejercicio que trata de evitar lo inevitable, un imposible, una utopía del sentido, una realidad desafiante que nace del deseo de una nueva situación. Un espacio que ya existía, pero solo en potencia. El video y la música fueron realizados utilizando solo material del video de Thriller de Michael Jackson.

7FF on¢idia. Dir.: Ж, Brasil, 2017, 8’12’’
En 7FF el ¢ idia, la mascota de la Copa Mundial de la FIFA de Río de Janeiro, Fuleco, se convierte en una cifra para la mutación de los símbolos de los pueblos indígenas a través del arte público y el comercio, y se vuelve viral. Otros flujos aludidos son la plusvalía del código en un mundo de productos básicos, monedas de bits y montañas de datos. 7FF on ¢ idia nos lleva a encuentros que son fugaces y dejan preguntas sin contestar, razón de más para volver a mirar.

De.cadencia. Dir.: Marisol Bellusci, Luis Saray, Argentina, 2018, 2’10’’
Operación sobre vestigios de soporte cinematográfico analógico encontrado, que pasa de ser objeto único a un estar reformado mediante la apropiación de un medio sobre otro por un montaje del material análogo e información digital. Metraje fílmico encontrado, videografía plasmada como objeto sobre el que reflexionar con hibridez estética y reciclaje como economía alterna para la resignificación experimental de una película reconfigurando su narrativa y material de soporte, mediante la manipulación por fotogramas del celuloide.

Nervio. Dir.: Martín Baus, Chile, 2017, 12’43’’
Un zoom en retroceso lentísimo con dos planos diferentes, uno general y otro más cercano de unas imágenes de super 8 veraniegas, unidas por el nervio que separa un fotograma del siguiente. La ampliación de ese marco oscuro mientras las dos imágenes también siguen en movimiento, crea una tensión que otorga sentido a ese nervio que no percibimos a una velocidad normal de visionado. Este fue el primer proyecto inacabado de la sesión.

35 a S8. Dir.: Leonardo Zito, Argentina, 2018, 3’47’’
Cortometrajes intervenidos en 35 mm, 16 mm y Super8 mm de este realizador argentino

Let’s take a walk. Dir.: Moira Lacowicz, Argentina, 2018, 5’40’’
Película realizada con metraje familiar encontrado en Brasil, Uruguay y Argentina e intervenida con diversos procesos químicos.

Ver la ciudad en llamas. Dir.: Ismael Amaro, Chile, 2018, 11’
Un imaginario visual del ruido que, en tres capítulos (Ver, La ciudad y En llamas) da cuenta de un vaivén simbólico entre la vida y la muerte. Todo lo que se ve son archivos patrimoniales pertenecientes a la Cineteca de la Universidad de Chile. Todo lo que se oye corresponde a fragmentos reestructurados del poema sonoro “Veo la ciudad en llamas”, cuyo autor, Cristóbal Cornejo (1983-2015), denominó como un trozo de vida y muerte.

21:00 Muestra de cine doméstico en super8 (30’)
Conversatorio con María Domínguez (Bolivia), investigadora de cine.